La directora y productora de documentales Alysa Nahmias comparte las estrategias artísticas que empleó mientras hacía una película sobre la vida y el legado de Laszlo Moholy-Nagy y la Nueva Bauhaus.

¿Qué fue la Nueva Bauhaus? ¿Por qué es importante aprender sobre el día de hoy?

La Nueva Bauhaus fue una innovadora escuela de arte y diseño fundada en Chicago en 1937 por el artista moderno Laszlo Moholy-Nagy, y enseñó allí durante la última década de su vida hasta 1946. Después de su primer año, la Nueva Bauhaus fue cerrada por su financiadores, los ricos industriales miembros de la Asociación de Artes e Industrias de Chicago, pero Moholy la renació él mismo con el apoyo del magnate con sede en Chicago Walter Paepcke y la renombró Escuela de Diseño de Chicago. Más tarde, el nombre cambió nuevamente a Instituto de Diseño, y la escuela poco después pasó a formar parte del Instituto de Tecnología de Illinois (IIT), donde todavía existe hoy.

La Nueva Bauhaus y Moholy son protagonistas de un capítulo influyente de la historia del arte y el diseño estadounidense que aún es muy poco conocido. Los principios de La Nueva Bauhaus, como el compromiso con la experimentación y el uso de la tecnología con fines creativos, son muy relevantes hoy en día tanto para la educación como para la práctica artística.

¿Cuáles fueron algunas de las ideas filosóficas y enfoques artísticos más amplios que motivaban a estos artistas? ¿Qué podemos aprender de ellos?

Moholy-Nagy fue un modernista influenciado por el constructivismo, De Stijl y una variedad de figuras del arte y el diseño europeos, incluido su amigo, el arquitecto Walter Gropius, quien fundó la Bauhaus en Weimar, Alemania, y el filósofo John Dewey.

Moholy creía que los artistas deberían adoptar la tecnología, pero de manera que la transformen con fines “productivos”, es decir, para la creación de nuevos significados, estética y relevancia social. Estaba infinitamente fascinado por la luz y su potencial como material artístico. Moholy creía en la creatividad humana inherente. Les decía a sus alumnos que “todo el mundo tiene talento” y parecía tener una curiosidad genuina sobre el potencial de las personas como artistas. Entendió que estaban moldeados por el proceso creativo, de modo que “el fin a la vista no es el producto sino la persona”.

Como diseñador, Moholy fue notablemente profético sobre el poder de las imágenes. Es famoso su escrito: “El analfabeto del futuro será aquel que no pueda leer imágenes”, lo que parece que podría haber sido escrito por alguien del siglo XXI que entendía que las cámaras de los teléfonos inteligentes y los memes de Internet no estaban muy lejos.

Moholy también aprendió de, con y gracias al apoyo de las mujeres en su vida, especialmente su primera esposa Lucia Moholy, quien fue una gran pensadora y fotógrafa, su compañera de toda la vida Ellen Frank y su segunda esposa Sibyl Moholy-Nagy. Un ejemplo es que Lucia Moholy introdujo a su marido en el enfoque artístico de hacer fotogramas en la Alemania de los años 1920. Posteriormente, los dos se hicieron conocidos como algunos de los primeros en trabajar con fotogramas en el contexto de la práctica artística formal y la educación artística académica.

Hablemos de Moholy-Nagy. ¿Por qué fue tan singular e influyente?

Moholy-Nagy es descrito por los historiadores del arte en nuestra película como “uno de los artistas más influyentes del siglo XX”, “un erudito” y “un modelo del siglo XX”. Moholy fue un maestro de la autoinvención. Recorrió mucho terreno en su relativamente corta vida, trasladándose de Hungría a Alemania, luego a Ámsterdam, Londres y Chicago, y viajó por todas partes para dar conferencias y comunicarse con otros artistas. También enseñó, escribió y publicó mucho. Era optimista, que es uno de los rasgos más correlacionados entre las personas resilientes. Creía en el talento y el valor inherentes de los demás, y eso atraía a la gente hacia él. Su arte se adelantó a su tiempo. Moholy no sólo fue pintor, fotógrafo, escultor y cineasta, sino también teórico y conceptualista. Innumerables artistas contemporáneos lo consideran una influencia importante.

¿Qué en tu vida despertó inicialmente tu interés por la producción y dirección de documentales?

Soy arquitecto y artista de formación y aprendí a hacer cine no a través de libros sino trabajando en el campo. Siempre he sido decidido y apasionado por la narración, y en el cine de no ficción he encontrado la combinación perfecta de narración, expresión visual y formal, aventura y compromiso social. El documental es tan inmediato como el arte visual y puede ser ampliamente accesible. Es colaborativo y transformador de la manera más estimulante. Me permite profundizar en temas diversos, explorar preguntas profundas y conectarme de maneras únicas con otras personas.

¿Qué fue lo que más le intrigaba personalmente de este proyecto cinematográfico?

Cuando estudié la Bauhaus mientras completaba mis estudios de historia del arte y arquitectura, me fascinaron los primeros años de la Bauhaus y el conjunto de artistas que la habitaron. Años más tarde, cuando surgió la oportunidad de dirigir esta película, aproveché la oportunidad. La historia de vida de Moholy-Nagy no sólo fue intrínsecamente dramática sino también visualmente convincente en todo momento. Sería un desafío emocionante entrelazar la obra de arte de Moholy desde múltiples medios (sus pinturas, fotografías, fotomontajes, esculturas, diseños gráficos, películas y más) en la pantalla.

Otra razón personal de mi interés en hacer esta película es que soy hija de una madre de Chicago. Cuando era niño, pasé semanas en Chicago, visitando el Instituto de Arte y el Estadio Wrigley, y escuchando historias contadas por mis abuelos, que nacieron de inmigrantes griegos en el lado sur de Chicago en la década de 1920. Mi Papou recordaba cómo vendía partituras en las calles cuando era niño durante la Gran Depresión, cómo se unió al ejército en Navy Pier después del ataque a Pearl Harbor y cómo condujo un camión de Coca Cola por la ciudad después de la guerra.

También leí más recientemente el excelente libro de Thomas Dyja, The Third Coast , que sitúa a Chicago como centro de la cultura estadounidense del siglo XX. Sabía que hacer esta película sobre la Nueva Bauhaus me permitiría explorar Chicago en las décadas de 1930 y 1940, un lugar y una época que fueron formativos no sólo para la historia de mi familia sino también para la de nuestra nación.

Decidiste que un actor leyera las palabras de Moholy-Nagy en la película. ¿Cómo decidiste quién daría voz a Moholy?

Las palabras de Moholy son leídas por Hans-Ulrich Obrist,
un curador de arte contemporáneo que no es un actor capacitado. La idea de contratar a Hans-Ulrich surgió cuando decidí presentar la voz en off de las palabras de Moholy de una manera poco convencional. Las palabras debían ser pronunciadas, pero no exactamente ejecutadas. La persona que los leyera debía tener una energía similar a la de Moholy, pero no pretender ser él. Las ideas que Moholy expresa en sus escritos no siempre son simples, por lo que las palabras tenían que ser expresadas por alguien que entendiera el significado detrás de ellas de una manera profunda y personal. Mi productora Erin Wright conocía a Hans-Ulrich en el mundo del arte y, tan pronto como dijo su nombre, ¡dije que sí! Fue una idea increíblemente inspirada. Encajaba perfectamente porque Hans-Ulrich es una especie de documentalista. Durante años, ha recopilado y publicado entrevistas con artistas y diseñadores, algunas de las cuales aparecen en su popular cuenta de Instagram. Afortunadamente para nosotros, Hans-Ulrich dijo que sí con entusiasmo.

Otra decisión fue filmar la voz en off para poder ver a Hans-Ulrich en la pantalla. Mi productor y director de fotografía, Petter Ringbom, había incluido recientemente imágenes de una interpretación de voz en off en un vídeo corto que dirigió, por lo que aportó conocimientos sobre cómo configurarlo de forma eficaz. Filmamos a Hans-Ulrich en un estudio de Londres con ensayos mínimos y, de nuevo en el montaje, el metraje fue un elemento creativo nuevo e interesante. En ocasiones, queda expuesto visualmente, rompiendo la cuarta pared y sirviendo como una especie de cemento entre determinadas transiciones. En otras ocasiones, está ubicado como audio dentro del flujo de escenas existentes.

¿Cómo encontró y se puso en contacto con los amigos, compañeros y estudiantes de Moholy-Nagy?

El primer acceso que establecimos fue con el Instituto de Diseño del IIT, donde la administración y el profesorado apoyaron y se mostraron entusiasmados con la idea de esta película, y su fecha coincidió con el centenario de la fundación de la Bauhaus. Nuestra coproductora Ashley Lukasik jugó un papel decisivo en el acceso en esta etapa.

A través del Instituto de Diseño, conocimos a Hattula Moholy-Nagy, quien se mostró receptiva y abierta a nuestras visiones creativas iniciales para la película. Ella y sus hijos, Andreas y Daniel, apreciaron que nuestro enfoque no iba a ser un libro de texto o didáctico, sino más bien crear una obra de arte cinematográfico centrada en el tiempo de Moholy en Chicago, que se expandió a su historia de vida más amplia y su legado con resonancia temática. y relevancia actual. Estaba claro que Hattula confiaba en los artistas para tomar decisiones creativas y sabía que nuestro enfoque también se basaba en relaciones con asesores académicos y una trayectoria en documentales artísticos. Hattula quería apoyar nuestros esfuerzos brindándonos un acceso increíble y ofreciéndonos cantidades sustanciales de su tiempo. Ella es una arqueóloga consumada y sus archivos están muy bien organizados y mantenidos, lo cual fue un activo invaluable para nosotros. También es querida y respetada por los estudiosos de Moholy, así como por antiguos alumnos de su padre. También supe inmediatamente que Hattula sería un personaje convincente en la pantalla.

A medida que la vid crecía, nos conectamos con entrevistados como Elizabeth Siegel del Art Institute, Thomas Dyja, autor de The Third Coast , diseñadores como Art Paul, Beatrice Takeuchi, Debbie Millman, Barbara Crane, Kenneth Josephson, Barbara Kasten, Jan Tichy y más. . Varias personas que entrevistamos no están en el montaje final pero nos ayudaron mucho en el camino, como Bob Tanner y Dirk Lohan.

¿Qué fue lo que más te gustó de hacer esta película?

Llevaré conmigo las relaciones que forjé con mis colaboradoras, en particular, las otras mujeres artistas y narradoras: Hattula Moholy-Nagy, Barbara Kasten, Robin Schuldenfrei, Liz Siegel, Joyce Tsai, Debbie Millman, Bea Takeuchi y Blanche. Dorado. Asimismo, mi coguionista y editora Miranda Yousef, la productora Erin Wright y la coproductora Ashley Lukasik me brindaron sabiduría y apoyo en esta larga labor creativa.

¿Tiene una cita favorita de Moholy-Nagy?

La cita que suena más cierta en mi propia vida es "No es el producto, sino la persona el fin a la vista". Siempre he sentido que hacer obras de arte es dar forma a la propia historia de vida y a la vida de los demás a través de la creación de la obra de arte o "producto".

Esta película tiene principalmente material de archivo. ¿Cómo manejaste la enorme cantidad de investigación requerida para esta película?

El material de archivo proviene de la Fundación Moholy-Nagy, el Instituto de Diseño del IIT, así como de otros archivos de organizaciones e individuos. Para localizar y rastrear los materiales de archivo de la película, trabajé estrechamente con mi equipo de producción, incluidos los productores de archivo de Studio 34, así como con la investigadora Hannah Hughes y mi equipo editorial, Miranda Youself y Ludmil Kazakov. Fue un esfuerzo de equipo que involucró muchas hojas de cálculo y correos electrónicos.

¿Puedes compartir más información sobre cómo trabajar con material de archivo?

Una decisión clave que tomé fue confiar casi por completo en imágenes creadas por artistas para representar el contexto histórico de la película. Esto significó que, a veces, utilizaba la propia fotografía o filmografía de Moholy-Nagy para representar lugares y momentos de su vida. En otras ocasiones busqué imágenes realizadas por otros artistas, incluidos sus contemporáneos y sus alumnos. Por ejemplo, las imágenes de la Segunda Guerra Mundial son creadas principalmente por artistas y diseñadores, como los anuncios creados por Herbert Bayer y otros para Container Corporation. Cuando llegamos al Berlín de los años 20, vemos un tranvía filmado por Moholy-Nagy, así como imágenes cinematográficas experimentales de Hans Richter y otros artistas de su entorno. Incluso las gallinas al comienzo de la película, cuando llegamos por primera vez a la Bauhaus en Alemania, fueron filmadas auténticamente por los estudiantes de la Bauhaus de esa época. Hay muy pocos fotogramas de imágenes de noticieros en la película. La idea es experimentar el mundo de Moholy como lo habría hecho él a través de los ojos de los artistas.

¿Por qué crees que esta película es una adición importante al aula?

Además de ser una película sobre la historia del arte y el diseño en el siglo XX, es una historia atemporal sobre el valor de la educación. Muy rara vez se celebra a los educadores permanentes como Moholy-Nagy por sus contribuciones a la cultura como docentes. En la historia de Moholy, contada por sus estudiantes, académicos y artistas contemporáneos en la película que se inspiran en sus enseñanzas, queda claro que para Moholy la enseñanza era parte integral de su práctica artística. Estos dos aspectos de su vida eran inseparables y evolucionaban constantemente al mismo tiempo. En este sentido, la película no sólo es relevante para las disciplinas en las que el propio Moholy practicaba, sino para la disciplina de la pedagogía en sí y también para cualquier contexto de aula para inspirar a estudiantes y profesores a honrar los talentos inherentes de cada individuo. Y recordar que su modo de aprender y el acto de aprender juntos es tan importante como cualquier contenido disciplinario que se transmita.

¿Qué parte de la historia de Moholy-Nagy crees que es más esencial para los estudiantes de arte e historia del arte?

La NUEVA BAUHAUS incluye imágenes raramente vistas de Moholy-Nagy y su obra de arte; algunos de los cuales nunca antes se habían visto en la pantalla. La película también incluye entrevistas originales con la hija de Moholy, sus alumnos, así como con estimados académicos y artistas contemporáneos cuyo trabajo gira en torno a la obra de Moholy. La historia de la película ofrece un punto de vista feminista contemporáneo sobre Moholy y su contexto Bauhaus en Europa y Estados Unidos.

¿Qué aspecto de la película crees que resultará más atractivo para los estudiantes?

Los estudiantes se sentirán atraídos por Moholy, el iconoclasta y el maestro. Era querido por sus alumnos; siempre los desafió a traspasar los límites de lo que creían que eran capaces de hacer como individuos. Su mantra era: "Todo el mundo tiene talento". Era increíblemente devoto de sus alumnos, y eso se nota en las entrevistas de la película con algunos de sus alumnos supervivientes y sus alumnos. Sus entrevistas son animadas y identificables. Le dan vida a Moholy en la pantalla junto con imágenes y fotografías de él enseñando. Muchas personas de todas las edades que ya vieron la película han comentado que se sienten inspiradas a ser más expresivas y creativas después de verla.

¿Hay algo más que quisieras explorar sobre Moholy-Nagy's o
¿La Nueva Bauhaus que no fue el foco de la película?

Las esposas de Moholy, Lucia Moholy y Sybil Moholy-Nagy, merecen cada una sus propios documentales. Lo mismo podría decirse de varios profesores estimados de la Nueva Bauhaus y del Instituto de Diseño, como Nathan Lerner, Marli Ehrman y Gyorgy Kepes, quien fue amigo y colaborador de Moholy en Europa y se convirtió en profesor fundador de la Nueva Bauhaus y luego fundó el Centro de Estudios Visuales Avanzados del MIT. Kepes se menciona en la película varias veces, pero no pude explorar en profundidad su importante amistad con Moholy y mucho menos sus propios logros en este documental.